"Ode à l"Hiver" ultrapassa a barreira-chave do milhão de euros em leilão internacional

Vieira da Silva

05.06.2010 - 07:43 Por Vanessa Rato, com A.P.C. e J.A.C.

É uma barreira-chave, a do milhão de euros em leilão, apontando um novo paradigma de mercado para os artistas que a ultrapassam: a pintura Ode à l"Hiver - ou Ode ao Inverno - de Maria Helena Vieira da Silva (1908-1992) ultrapassou essa barreira em noventa e cinco mil euros num leilão da Sotheby"s de Paris na quarta-feira.

 

Em causa está um óleo sobre tela datado de 1960 (DR)

A agência Lusa, que ontem avançou a notícia, não referia a identidade do comprador, mas, segundo a informação disponibilizada pela leiloeira, a obra, um óleo sobre tela datado de 1960, fazia parte da Colecção Rothschild onde terá chegado por aquisição directa à galeria que representou em vida e continua hoje a representar a artista - a parisiense Jeanne-Bucher, responsável por grande parte do trabalho de divulgação internacional do seu trabalho.

Precisamente, a proveniência de Ode à l"Hiver pode ser um dado a ter conta no valor atingido - 1.095.150 euros -, já que, para além de chegar ao mercado vinda de uma colecção de grande visibilidade, está bem documentada e foi exposta em mostras em diversos museus europeus depois de ser apresenta pela primeira vez na Jeanne-Bucher no ano da sua realização. Esteve, nomeadamente, na Fundação Calouste Gulbenkian, em Lisboa, numa exposição de 1988 vinda do Museu de Arte Moderna de Paris. Faz parte, também, de um período de maturidade da artista, na sequência das suas pinturas brancas dos anos 1950, após a instalação definitiva em Paris e a obtenção, por fim, da nacionalidade francesa (1956), depois de anos como apátrida a viver entre Portugal e o Brasil.

É este percurso biográfico, incluindo os esforços vãos de Vieira da Silva, durante a década de 1940, para voltar a ser considerada cidadã portuguesa, direito que perdera ao casar em 1930 com o artista húngaro Arpad Szenes, que levam muitos comentadores a declarar que Portugal não pode querer agora vê-la como uma artista nacional nem apropriar-se da aura do seu sucesso.

No imaginário colectivo, estabelece-se, porém, um recorde para a arte portuguesa, depois das 558 mil libras atingidas em Londres, em 2008, por Baying, uma tela de Paula Rego, também num leilão da Sotheby"s (cerca de 740 mil euros ao câmbio da altura), e das 505 mil libras (573.964 euros) atingidas no ano passado por Marilyn, um conjunto de esculturas de Joana Vasconcelos que quintuplicou num leilão da Christie"s de Londres a expectativa de venda de entre 100 mil a 150 mil libras (115 mil a 172 mil euros).

Ontem, o crítico e comissário Alexandre Melo, referia-se a Vieira da Silva como uma artista portuguesa, "um dos poucos nomes portugueses ao longo do século XX a ter uma inscrição na História da arte na Europa, com uma ligação particular a França". Explicando o reconhecimento e a cotação da pintora, neste momento, referiu: "Foi a primeira artista portuguesa alvo de um trabalho específico em termos de mercado e de promoção e valorização da sua cotação em Portugal e França desde os anos 80. Foi o primeiro nome português a ser trabalhado de maneira sistemática e profissional nestes dois mercados."

Já Marina Bairrão Ruivo, directora da Fundação Arpad Szenes - Vieira da Silva, dedicada à obra da pintora e do seu marido, espera que esta venda faça Portugal redobrar atenção na gestão do legado que a artista deixou ao país e que está a cargo da fundação: "Espero que este leilão venha recordar a excepcionalidade da obra da Vieira da Silva e que ajude a dissipar a indefinição da fundação."

A conservadora refere-se à necessidade de nomeação de um administrador representante do Estado, lugar deixado vago pelo ex-ministro da Justiça António Vitorino quando em Fevereiro passou da Fundação Vieira da Silva para a administração da fundação que gere o Museu Berardo.

O Ministério da Cultura não indicou, até agora, um nome para a sua substituição.

Marina Bairrão Ruivo sublinha também a inversão de uma tendência verificada durante os anos em que as obras de Vieira da Silva atingiam valores mais elevados em Portugal do que no estrangeiro.

Ainda há dois anos, já fora desse período, a leiloeira Leiria e Nacimento anunciou ter vendido em Lisboa uma obra da artista por 1,1 milhões, a tela Lisbonne-Ville, datada de 1958 e que, segundo a leiloeira, terá sido adquirida por um coleccionador português a licitar via telefone do Brasil.

O trabalho em questão, com 65 por 90 centímetros, era de dimensões muito inferiores ao agora vendido pela Sotheby"s, uma obra de 1, 62 por 1,46 metros (uma grande escala no contexto da obra desta artista).

Vieira da Silva, neta de Silva Graça, fundador do jornal "O Século", nasceu em Lisboa e morreu em Paris, onde estudou e conheceu o marido. 

.
.

Arte de rua a 3 dimensões

.
.
inmacu40 — 6 de Dezembro de 2007 — pintura 3D
. 
The Crevasse - Making of 3D Street Art


.
.

EdgarMueller — 15 de Fevereiro de 2009 — http://www.metanamorph.com

.
In Dun Laoghaire the "Festival of World Culture" took place from 21. to 24. of August 2008. Edgar Müller has followed the invitation and continued his series of large-sized 3D Street Art there. For this year's Festival of World Cultures renowned German street painting artist Edgar Müller transformed a huge slice of the East Pier into a dramatic ice age scene. This project was supported by the Goethe Institution Germany.

.

.
3-D Art - The Beginning
.
.

.
.
cesarl950 — 25 de Julho de 2006 — some 3-D art images
.
. 
.
Julien Beaver, 3D STREET-ART

.

.
.
ChubbyCheggah — 1 de Dezembro de 2008 — Bilder vom strassenmaler Julien Beaver.... in 3D
.
. 

Tracy Lee Stum -3D Street Painting 

.

.

tracystreetpainter — 3 de Junho de 2008 — Guinness World Record holding street painter Tracy Lee Stum; fantastic original 3D anamorphic and interactive chalk art; street paintings from around the world..

.

Picasso na rota dos mais recentes roubos (2)

.
.

Retrato de Mulher, Jacqueline Roque - 1961

(...)

.

.

Jacqueline no Estúdio - 1956

.
.

Pablo Picasso
Woman in an Armchair (Jacqueline Roque Picasso)

.

 

 

Type:	PAINTING
Title (original):	MAYA A LA POUPEE
Title (English):	MAYA WITH A DOLL
Period:	1938
Artist(s):	PICASSO

.

.

 Retrato de Suzanne Bloch

.

.

.

Tête de Cheval (1962)

. 

.
.

Verre et pichet - 1944

.

.

28/02/2007 - 10h34m - Atualizado em 28/02/2007 - 10h35m

DOIS QUADROS DE PICASSO ROUBADOS DA NETA DO ARTISTA EM PARIS

 

PARIS, 28 fev (AFP) - Dois quadros de Pablo Picasso, com valor conjunto de 50 milhões de euros (65 milhões de dólares), foram roubados na madrugada desta terça-feira da casa de uma neta do pintor em Paris, informou a polícia.

.

As obras são "Maya com boneca" (60X40 cm), óleo pintado em 1938 e que representa Maya, filha de Picasso e Marie-Thérèse Walter, e um retrato de Jacqueline Roque (170X150), segunda e última esposa do pintor, feito em 1961.

.

Os dois quadros foram roubados durante a noite apartamento de Diana Widmaier, neta de Pablo Picasso. A polícia não detectou nenhum sinal de violência ou dano no apartamento, que fica no VII distrito VII de Paris.

.

O prejuízo é avaliado em 50 milhões de euros.

.

O advogado Paul Lombard, que representa a família, informou que as obras, fixadas nas paredes do apartamento, tinham todas as medidas de proteção necessárias. No momento do roubo, duas pessoas estavam dormindo na casa.

.

O quadro que representa Maya foi roubado com a moldura, enquanto a segunda pintura foi recortada da moldura, acrescentou Lombard.

.

Segundo o advogado, que apresentará uma demanda em nome da família, os dois quadros roubados são mundialmente conhecidos, sempre pertenceram à família e seu valor comercial é considerável.

.

"Maya com boneca" representa a menina sentada no chão com uma boneca nas mãos, em tons azulados. O outro é um dos numerosos retratos que Picasso pintou de Jacqueline Roque, que conheceu em 1954 e com quem se casou sete anos mais tarde.

.

Pablo Picasso (1881-1973) é o artista mais caro do mundo nos leilões. Suas obras, no entanto, têm sido roubadas nos últimos 30 anos.

.

Em 1976, aconteceu um dos roubos mais importantes já registrados na França: 118 obras de Picasso foram levadas do museu de Aviñón.

.

Doze quadros, avaliados na época em 17 milhões de dólares, foram roubados na Costa Azul, na casa de outra neta do artista, Marina Picasso, em 1989. Mais tarde as obras foram recuperadas.

.

Em 1994, sete quadros dos períodos rosa e azul foram roubados de uma galeria em Zurique. O valor dos mesmos chegava a 44 milhões de dólares.

.

Em 1997, um homem armado se apoderou da obra "Cabeça de mulher" (1939) em uma galeria de Londres e fugiu com a mesma em um táxi. Mais tarde o quadro foi encontrado.

.

Uma natureza morta do artista foi roubada no Museu de Arte Moderna do Centro Pompidou de Paris em janeiro de 2004. A obra foi recuperada três meses depois.

.

Em fevereiro de 2006 foram roubados quatro quadros de Picasso e obras de outros artistas, por um valor total de 50 milhões de dólares, em um museu do Rio de Janeiro.

.

Jornal Globo.com

.

jcp/fp

AFP 281029 FEB 07

.
.

Pablo Picasso - Vida e Obra

.

 

 

Pablo Picasso

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso (25 de outubro de 1881 - 8 de Abril de 1973) foi um pintor espanhol, desenhista e escultor. É uma das figuras mais reconhecidas na arte do século 20. Ele é mais conhecido por co-fundador do movimento cubista e para a grande variedade de estilos incorporada em seu trabalho. Entre seus trabalhos mais famosos são os proto-cubista Les Demoiselles d'Avignon (1907) e Guernica (1937), seu retrato do bombardeio alemão de Guernica durante a Guerra Civil Espanhola.

.
Picasso demonstrou talento artístico incomum em seus primeiros anos, a pintura de uma forma realista através de sua infância e adolescência, durante a primeira década do século XX mudou o seu estilo como ele experimentou com diferentes teorias, técnicas e idéias. Criatividade de Picasso manifestou-se em numerosas mídias, incluindo pintura, escultura, desenho e arquitetura. Suas realizações artísticas revolucionárias trouxeram renome universal e imensas fortunas ao longo de sua vida, tornando-o a mais conhecida figura da arte do século XX.

Início da vida


Picasso foi batizado Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Crispiniano de la Santísima Trinidad, uma série de nomes homenageando vários santos e parentes. Nascido na cidade de Málaga na região da Andaluzia na Espanha, ele foi o primeiro filho de Don José Ruiz y Blasco (1838-1913) e María Picasso y López. A família de Picasso era de classe média, seu pai também foi um pintor que se especializou em representações naturalistas de aves e de outros jogos. Na maior parte de sua vida, Ruiz foi um professor de arte na Escola de Artesanato e um curador de um museu local.


Picasso mostrou uma paixão e uma habilidade para o desenho desde tenra idade, de acordo com sua mãe, suas primeiras palavras foram "Piz, Piz", um encurtamento do lápiz, a palavra em espanhol para lápis. A partir da idade de sete anos, Picasso recebeu formação artística formal de seu pai na figura, desenho e pintura a óleo. Ruiz foi um tradicional, o artista acadêmico e instrutor, que acreditavam que uma formação adequada exigia a disciplina de cópia dos mestres e desenho do corpo humano em gesso. Seu filho tornou-se preocupado com a arte em detrimento de seu trabalho de classe.


A família mudou-se para La Coruña, em 1891, onde seu pai tornou-se professor na Escola de Belas Artes. Eles ficaram quase quatro anos. Em uma ocasião, o pai encontrou o filho sobre o esboço de uma pintura inacabada de um pombo. Observando a precisão da técnica de seu filho, Ruiz considera que aos treze anos de idade Picasso tinha ultrapassado ele e prometeu desistir da pintura.


Em 1895, a irmã de Picasso com sete anos de idade, Conchita, morreu de difteria, um evento traumático em sua vida. Após sua morte, a família se mudou para Barcelona, com Ruiz transferindo para a sua Escola de Belas Artes. Os Picassos prosperaram na cidade, considerando-a em momentos de tristeza ou nostalgia como seu verdadeiro lar. Ruiz persuadiu os funcionários da academia para permitir que seu filho fizesse um exame de admissão para a classe avançada. Este processo muitas vezes durava mês, mas Picasso completou em uma semana e, impressionado, o júri admitiu Picasso, que tinha então13 anos. Seu pai alugou um quarto pequeno perto de casa onde Picasso poderia trabalhar sozinho.


O pai de Picasso e seu tio decidiram enviar o jovem artista a Real Academia de Madrid em San Fernando, a melhor escola de arte do país. Em 1897, Picasso, com 16 anos, partiu para viver por conta própria, mas ele não gostava da instrução formal frequentando aulas e saiu logo após a inscrição. Madrid, no entanto, guardava muitas outras atrações: o Prado alojava pinturas do venerável Diego Velázquez, Francisco Goya, e Francisco de Zurbarán. Picasso sobretudo admiradas as obras de El Greco, os seus elementos, os membros alongados, cores e imagem mística, encontram eco na obra de Picasso.


Início de carreira

  

Depois de estudar arte em Madrid, Picasso fez sua primeira viagem à Paris em 1900, então a capital artística da Europa. Lá, ele conheceu seu primeiro amigo de Paris, o jornalista e poeta Max Jacob, que ajudou a Picasso aprender a língua e sua literatura. Logo eles compartilhavam um apartamento; Max dormia de noite, enquanto Picasso dormia durante o dia e trabalhava à noite. Eram tempos de extrema pobreza, frio e desespero. Muito de seu trabalho foi queimada para manter o quarto pequeno quente. Durante os primeiros cinco meses de 1901, Picasso viveu em Madri, onde ele e seu amigo anarquista Francisco de Asís Soler fundaram a revista Arte Joven, que publicou cinco edições. Soler solicitou os artigos e Picasso ilustrou a revista, principalmente contribuindo com sombrios cartoons alusivos e simpatizantes da pobreza. A primeira edição foi publicada em 31 de março de 1901, altura em que o artista começou a assinar seus trabalhos simplesmente como Picasso, quando antes ele tinha assinado Pablo Ruiz y Picasso.

Em 1905, Picasso se tornou o preferido dos colecionadores de arte americana Leo e Gertrude Stein. Picasso pintou os retratos de Gertrude Stein e seu sobrinho Allan Stein. Gertrude se tornou padroeira principal de Picasso, aquirindo seus desenhos e pinturas e exibindo-os em seu Salão informal em Paris. Em uma de suas reuniões em 1905, ele conheceu Henri Matisse, que estava para se tornar um grande amigo e rival. Os Steins o apresentou a Claribel Cone e sua irmã Etta que eram colecionadores de arte americana, mas também começaram a adquirir as pinturas de Picasso e Matisse. Eventualmente, Leo Stein mudou-se para a Itália, enquanto Gertrude Stein continuou a acolher Picasso.

Em 1907, Picasso se juntou a galeria de arte que havia sido recentemente inaugurada em Paris por Daniel-Henry Kahnweiler. Kahnweiler foi um historiador de arte alemão, colecionador de arte que se tornou um dos principais negociantes de arte do século 20. Ele tornou-se proeminente em Paris em 1907. Kahnweiler patrocinou também artistas como André Derain, Kees Van Dongen, Fernand Léger, Juan Gris, de Maurice Vlaminck e vários outros que vieram de todo o mundo para viver e trabalhar em Montparnasse.

Em Paris, Picasso entretem uma confraria de amigos distinguidos em Montmartre e Montparnasse, incluindo a André Breton, o poeta Guillaume Apollinaire, o escritor Alfred Jarry, e Gertrude Stein. Apollinaire foi preso sob suspeita de roubar a Mona Lisa do Louvre em 1911. Apollonaire apontou para o seu amigo Picasso, que também foi trazido para interrogatório, mas ambos foram posteriormente liberados.

Vida pessoal

No início do século 20, Picasso divide seu tempo entre Barcelona e Paris. Em 1904, no meio de uma tempestade, ele conheceu Fernande Olivier, um artista boêmio que se tornou seu amante. Olivier aparece em muitas de suas pinturas período Rose. Depois de adquirir alguma fama e fortuna, Picasso deixou Olivier por Marcelle Humbert, a quem chamou Eva Gouel. Picasso incluídas declarações de seu amor por Eva, em muitas obras cubistas. Picasso foi devastado por sua morte prematura com 30 anos, em 1915.

Após a I Guerra Mundial, Picasso fez uma série de importantes associações e relações com os valores associados com o Ballets Russes de Serge Diaghilev. Entre seus amigos durante este período estavam Jean Cocteau, Jean Hugo, Juan Gris, entre outros. No verão de 1918, Picasso casou-se com Olga Khokhlova, uma bailarina da trupe de Sergei Diaghilev, para quem Picasso estava projetando o balé Parade, em Roma, e eles passaram a lua de mel na casa de campo perto de Biarritz do patrono da arte glamourosa da chilena Eugenia Errázuriz. Khokhlova introduziu Picasso a alta sociedade, jantares formais, e todas as sutilezas da vida dos ricos em 1920 em Paris. Os dois tiveram um filho, Paulo, que cresceria para ser um piloto de motos dissoluto e motorista de seu pai. A insistência de Khokhlovana de levar uma vida social entrara em confronto com as tendências boêmio de Picasso e os dois viviam em estado de constante conflito. Durante o mesmo período que Picasso colaborou com a trupe de Diaghilev, ele e Igor Stravinsky colaboraram com Pulcinella, em 1920. Picasso teve a oportunidade de fazer vários esboços do compositor.

Em 1927 Picasso conheceu, com 17 anos, Marie-Thérèse Walter e começou um caso secreto com ela. O casamento de Picasso com Khokhlova logo terminou em separação, em vez de divórcio, já que o direito francês exigia uma divisão de bens, mesmo em caso de divórcio, e Picasso não queria que Khokhlova tivesse metade da sua riqueza. Os dois permaneceram legalmente casados até a morte Khokhlova em 1955. Picasso viveu durante muito tempo com Marie-Thérèse Walter e com ela teve sua filha, Maia. Marie-Thérèse viveu na esperança vã de que Picasso viria um dia a se casar com ela, e enforcou-se quatro anos depois da morte de Picasso. Ao longo de sua vida, Picasso manteve um grande número de amantes, além de sua esposa ou parceira fixa. Picasso foi casado duas vezes e teve quatro filhos com três mulheres.

O fotógrafo e pintor Dora Maar foi também uma companheira constante e amante de Picasso. Os dois mais próximos estavam no final dos anos 1930 e início dos anos 1940 e foi Maar que documentou a pintura de Guernica.

Anos de Guerra

Durante a Segunda Guerra Mundial, Picasso permaneceu em Paris quando os alemães ocuparam a cidade. O estilo artístico de Picasso não se encaixava nas exibições nazista de arte, por isso não foi capaz de mostrar seus trabalhos durante este tempo. Recluso ao seu estúdio, ele continuou a pintar durante todo o tempo. Embora os alemães terem tornado ilegal a fundição de bronze em Paris, Picasso continuou independente disso, usando bronze contrabandeado pela resistência francesa.

Após a libertação de Paris em 1944, Picasso começou a fazer companhia a uma jovem estudante de arte, Françoise Gilot. Os dois eventualmente tornaram-se amantes, e tiveram dois filhos, Claude e Paloma. Única entre as mulheres de Picasso, Gilot deixou Picasso em 1953, alegando maus tratos e infidelidades. Este foi um duro golpe para Picasso.

Ele passou por um período difícil após a partida Gilot, vindo aos termos com sua idade avançada e sua percepção de que, agora em seus 70 anos, ele já não era atraente, mas um pouco caricato para mulheres jovens. Uma série de desenhos a tinta a partir deste período exploram este tema do anão horrível, velho bufão como contraponto à bela jovem, incluindo vários de um caso de seis semanas com Geneviève Laporte, que em junho de 2005 leiloou os desenhos que Picasso fez dela.

Picasso não demorou a encontrar uma outra amante, Jacqueline Roque. Ela trabalhou na Olaria Madoura em Vallauris na Riviera Francesa, onde Picasso fez e pintou cerâmica. Os dois permaneceram juntos para o resto da vida de Picasso, casando-se em 1961.

Seu casamento também foi um último ato de vingança contra Gilot. Gilot estavam buscando um meio legal para legitimar seus filhos com Picasso, Claude e Paloma. Com o encorajamento de Picasso, ela arranjou o seu divorcio de Luc Simon para em seguida se casar com Picasso para garantir os direitos de seus filhos. Picasso, porém, se casou secretamente com Roque após Gilot ter conseguido se divórciar, a fim de se vingar por ela deixá-lo.

Picasso tinha construído uma estrutura gótica enorme e agora podiam pagar grandes mansões no sul da França, na Catedral de Notre-Dame-de-vie, nos arredores de Mougins, na Provença-Alpes-Côte d'Azur. A essa altura, ele era uma celebridade, e muitas vezes houve tanto interesse em sua vida pessoal como a sua arte.

Além de suas múltiplas realizações artísticas, Picasso tinha uma carreira no cinema, incluindo uma aparição no Testamento de Orfeu de Jean Cocteau. Em 1955 ele ajudou a fazer o filme Le Mystère Picasso (O Mistério de Picasso), dirigido por Henri-Georges Clouzot.

Morte

Pablo Picasso morreu a 8 de Abril de 1973 em Mougins, França, enquanto ele e sua esposa Jacqueline entretinham os amigos para um jantar. Suas últimas palavras foram:

"Beba-me, beba à minha saúde, você sabe que eu não posso beber mais nada."

Ele foi sepultado no castelo de Vauvenargues, perto de Aix-en-Provence, uma propriedade que havia adquirido em 1958 e ocupados com Jacqueline entre 1959 e 1962. Jacqueline Roque impediu Claude e Paloma de assistir ao funeral. Devastada e só depois da morte de Picasso, Jacqueline Roque tirou sua própria vida com um tiro em 1986 quando ela tinha 60 anos.

Arte

A obra de Picasso é muitas vezes classificada em períodos. Embora os nomes de muitos dos seus períodos posteriores são debatidas, os períodos mais comumente aceites na sua obra são o Período azul (1901-1904), o Período Rosa (1905-1907), o Período de Influência Africana (1908-1909), Cubismo Analítico (1909-1912), e Cubismo Sintético (1912-1919).

Em 1939-40 o Museu de Arte Moderna na cidade de Nova Iorque, sob o seu diretor Alfred Barr, um entusiasta de Picasso, realizou uma grande retrospectiva e altamente bem-sucedida de seus principais trabalhos até aquele momento. Esta exposição trouxe ao conhecimento do público a arte de Picasso e resultou em uma reinterpretação da sua obra de arte contemporânea por historiadores e estudiosos.

Antes de 1901

A formação de Picasso, com o seu pai começou antes de 1890. Seu progresso pode ser seguido nos seus primeiros trabalhos que estão em posse do Museu Picasso em Barcelona, que fornece um dos registros mais abrangentes existentes de qualquer artista maior. O realismo acadêmico aparente nas obras de meados da década de 1890 é bem visível em A Primeira Comunhão (1896), uma grande composição que mostra sua irmã, Lola . No mesmo ano, na idade de 14, pintou Retrato da Tia Pepa, um retrato vigoroso e dramático que Juan-Eduardo Cirlot chamou de "sem dúvida, um dos maiores em toda a história da pintura espanhola."

Em 1897 seu realismo tornou-se marcado pela influência simbolista, em uma série de pinturas de paisagens prestados em violeta não naturalista e tons de verde. O que alguns chamam de seu período modernista (1899-1900) seguiu. Sua exposição ao trabalho de Rossetti, Steinlen, Toulouse-Lautrec e Edvard Munch, combinada com a sua admiração pelos velhos mestres como El Greco, Picasso levou a uma versão pessoal do modernismo em seus trabalhos deste período.

Período Azul

O Período Azul de Picasso (1901-1904) é composto por pinturas sombrias em tons de azul e verde-azulado, ocasionalmente aquecida por outras cores. O ponto de partida deste período é incerto, mas pode ter começado na Espanha, na primavera de 1901, ou em Paris, na segunda metade do ano. Muitas pinturas de mães com filhos magro datam deste período. Em seu uso austero de cor e por vezes assuntos dolorosos, prostitutas e mendigos são temas frequentes. Picasso foi influenciado por uma viagem pela Espanha e pelo suicídio de seu amigo Carlos Casagemas. A partir do Outono de 1901, pintou vários retratos póstumos de Casagemas, culminando com a sombria pintura alegórica La Vie (1903), pertencente agora ao Museu de Arte de Cleveland.

O mesmo humor permeia a conhecida gravura O Repasto Frugal (1904), que retrata um homem cego e uma mulher perspicaz, ambos emagrecidos, sentados em uma mesa quase nua. A cegueira é um tema recorrente nas obras de Picasso deste período, também representada em The Blindman's Meal (1903, Metropolitan Museum of Art) e no retrato Celestina (1903). Outros trabalhos incluem Retrato de Soler e Retrato de Suzanne Bloch.

Período Rosa

O Período Rosa (1904-1906) é caracterizado por um estilo mais alegre com as cores laranja e rosa, e com muitas pessoas de circo, acrobatas e arlequins conhecido na França como saltimbanques. O arlequim, um personagem cômico geralmente retratada com roupa xadrez padronizada, se tornou um símbolo pessoal para Picasso. Picasso conheceu Fernande Olivier, um modelo para escultores e artistas, em Paris, em 1904, e muitas destas pinturas são influenciadas pelo seu relacionamento quente com ela, além de sua maior exposição a pintura francesa. O humor em geral, positiva e otimista da pintura neste período é uma reminiscência do período 1899-1901 (ou seja, pouco antes do Período Azul) e 1904 pode ser considerado um ano de transição entre os dois períodos.

Período de Influência Africana

O Período de Influência Africana (1907-1909) começa com as duas figuras à direita na sua pintura, Les Demoiselles d'Avignon, que foram inspirados por artefatos Africano. Idéias formais desenvolvidas durante este período inicial estão diretamente relacionadas com o período cubista que se segue.

Cubismo

Cubismo Analítico (1909-1912) é desenvolvido junto com Georges Braque usando cores marrom monocromático e neutro. Ambos os artistas desmontam e analisam objetos. Pinturas de Picasso e Braque, neste momento têm muitas semelhanças. Cubismo Sintético (1912-1919) foi um maior desenvolvimento do gênero, em que cortam os fragmentos de papel, muitas vezes papel de parede ou partes de páginas de jornal, eram colados em composições, marcando o primeiro uso da colagem na arte.

Classicismo e Surrealismo

No período seguinte, a reviravolta da I Guerra Mundial, Picasso produziu em estilo neoclássico. Este retorno "à ordem" é evidente no trabalho de muitos artistas europeus na década de 1920, incluindo André Derain, Giorgio de Chirico, e os artistas do movimento New Objectivity (Nova Objetividade). Pinturas e desenhos de Picasso deste período frequentemente recordam o trabalho de Ingres.

Durante a década de 1930, o minotauro substituiu o arlequim como um tema comum em seu trabalho. Seu uso do minotauro veio parcialmente de seu contato com os surrealistas, que muitas vezes o usavam como seu símbolo, e aparece em Guernica de Picasso.

Provavelmente a obra mais famosa de Picasso é sua representação do bombardeio alemão de Guernica durante a Guerra Civil da Espanha. Esta grande tela encarna para muitos a desumanidade, brutalidade e desesperança da guerra. Instado a explicar o seu simbolismo, Picasso disse:

"Não cabe ao pintor definir os símbolos.

Caso contrário, seria melhor se ele os descrevesse em palavras!

O público que olhar para o quadro deve não só interpretar os símbolos como entendê-los".

Guernica permaneceu pendurado no Museu de Nova York de Arte Moderna por muitos anos. Em 1981, Guernica foi devolvido à Espanha e exibido no Casón del Buen Retiro. Em 1992, a pintura foi pendurada no Reina Sofía Museum em Madri quando da sua inauguração.

Trabalhos Finais

Os trabalhos finais de Picasso foram uma mistura de estilos, o seu meio de expressão constante até o final de sua vida. Devotando suas energias para sua obra, Picasso se tornou mais ousado, sua obra mais colorida e expressiva, e de 1968 a 1971, ele produziu uma torrente de centenas de pinturas e gravuras de cobre. Ao mesmo tempo, estas obras foram rejeitadas pela maioria como fantasias pornográficas de um homem impotente. Só mais tarde, depois da morte de Picasso, quando o resto do mundo da arte mudou-se do expressionismo abstrato, a comunidade fez críticas ao trabalho de Picasso e percebeu que ele já tinha descoberto o neo-expressionismo e esteve, como tantas vezes antes, à frente de seu tempo.

Comemoração e legado

Picasso foi excepcionalmente prolífico ao longo de sua longa vida útil. O número total de obras de arte que ele produziu foi estimado em 50.000, sendo 1.885 pinturas, 1.228 esculturas; 2.880 cerâmica, cerca de 12.000 desenhos, muitas milhares de gravuras, tapeçarias e numerosos tapetes. Na época da sua morte, muitas das suas pinturas estavam em sua posse, como ele havia se mantido fora do mercado de arte já que ele não tinha necessidade de vender. Além disso, Picasso tinha uma coleção considerável do trabalho de outros artistas famosos, alguns contemporâneos seus, como Henri Matisse, com quem ele tinha trocado de obras. Como Picasso não deixou nenhum testamento, os direitos de sua morte (imposto de propriedade) para o Estado francês foram pagos sob a forma de suas obras e outros de sua coleção. Estas obras constituem o núcleo da coleção imensa e representante do Musée Picasso, em Paris. Em 2003, parentes de Picasso inaugurado um museu dedicado a ele em sua cidade natal, Málaga, Espanha, o Museu Picasso de Málaga.
.

Várias pinturas de Picasso estão classificadas entre os quadros mais caros do mundo. Garçon à la pipe vendido por US $ 104 milhões dólares, em 4 de maio de 2004, que estabelece um novo preço recorde. Dora Maar au Chat vendido por US $ 95,2 milhões dólares em 3 de Maio 2006.
.

Após a morte de Picasso, em 1973, o ator Dustin Hoffman estava jantando com o ex-Beatle Paul McCartney e contou-lhe sobre as últimas palavras de Picasso. McCartney começou a criar e cantar uma canção em torno dessas palavras e incluiu a canção no seu álbum de 1973, Band on the Run.
.

No filme de 1996 Surviving Picasso, ele é interpretado pelo ator Anthony Hopkins.
.

Postado por Cris Valmont

.

Picasso na rota dos mais recentes roubos (1)

França tem sido um alvo frequente

Pablo Picasso

Pablo Picasso - 1957

. 

 É longa a lista de obras desaparecidas de museus. Acontece por todo o mundo, mas França tem sido um alvo frequente dos últimos anos e Picasso tem sido um nome regularmente presente nestes casos. Em 2007, dois retratos pintados pelo mestre de Málaga desapareceram da casa da sua neta, Diana Widmaier-Picasso, em Paris. Ambos tinham um valor emocional para a família. Um era de 1961 e retratava a última mulher do pintor espanhol, Retrato de Mulher, Jacqueline Roque; o outro, Maya à la Poupée, era um retrato de 1938 da filha de Picasso, proprietária do quadro. As obras foram recuperadas em 2007, o mesmo ano em que uma outra pintura de Picasso, Retrato de Suzanne Bloch, avaliada em cerca de 45 milhões de euros, desapareceu do Museu de Arte Moderna de São Paulo (Brasil), juntamente com obras de outros pintores.

Em Fevereiro de 2008, dois óleos do mestre espanhol - Tête de Cheval (1962) e Verre et Pichet (1944) - desapareceram do Centro Cultural de Pfäffikon, no cantão de Schwyz, na Suíça. Um dos mais mediáticos dos últimos anos foi porém o roubo de O Grito de Edvard Munch, desaparecido do Museu Munch de Oslo e recuperado dois anos depois. O mais valioso de que há registo remonta a 1991, quando desapareceram do Museu Van Gogh de Amesterdão 20 quadros do mestre holandês, no valor de 500 milhões de euros. A.D.C.

Grandes obras de Matisse e Picasso roubadas num museu de Paris (2)

Pablo Picasso

Le pigeon aux petits pois

.
.

Pastoral - Matisse

46 x 55 cm.
Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris Paris
1905
.

.
.

La Femme à l"Éventail de Modigliani

.

 .
.

Nature morte aux chandeliers de Léger

.
.
GEORGES BRAQUE - L'Estaque (1906)
Huile sur toile (59 x 72)
 

.
.

Pellizza da Volpedo Il percorso artistico

Sito ufficiale dell'Associazione Pellizza da Volpedo ONLUS
Contatti: via Sovera 2 - 15059 Volpedo (AL) ITALIA - Tel. e fax 0131/80318  

.

http://www.pellizza.it/

 

Pellizza da Volpedo

Il percorso artistico

Gli esordi 

.

Alla fine degli anni Ottanta, dopo che Pellizza aveva compiuto un iter scolastico di tutto rispetto, la sua prima attività pittorica si esplicò nello studio dal vero, e in particolare nello studio della persona umana. Egli mostrava già fin d'allora di voler osservare la realtà senza pregiudizi, attraverso strade complementari ai convenzionali modi di rappresentazione accademica: questo atteggiamento restò sempre un aspetto nodale della sua pittura. 

.

Il punto di arrivo di questa prima fase può essere a buon diritto considerato Ricordo di un dolore, che fu eseguito a Bergamo alla scuola di Cesare Tallone e poi donato da Pellizza stesso, in ricordo di questo alunnato bergamasco, all'Accademia Carrara nel 1897, e che costituisce una delle opere più preziose della raccolta ottocentesca dell'Accademia.

Ricordo di un dolore o Ritratto di Santina Negri (1889)

La gamma cromatica impiegata in questo dipinto è formata da colori assolutamente essenziali, quali il bianco, che occupa lo sfondo e ritorna nella camicia della fanciulla, per arrivare ai fogli del quaderno tenuto aperto. Per quanto riguarda la gamma scura, essa è presente nelle sfumature bluastre della veste e in altre marroni, quasi nere, della sedia, e poi ritorna in un dettaglio fisico della giovinetta, i capelli. A cesura fra queste due parti c'è la fascia aranciata della gonna, che ha delle affinità cromatiche sia con le viole che giacciono tra i fogli che con il pavimento di fondo. 

.

E' proprio questo comporsi di colori chiari e colori scuri in nitide campiture che definisce la spazialità dell'immagine: notevole è infatti l'abilità prospettica dimostrata nel disegnare il seggiolone e l'intero impianto compositivo della figura, tuttavia lo spazio non è costruito solo attraverso linee convergenti nello stesso punto, ma anche attraverso la stesura di nitidi piani di colore. La tersità dei piani luminosi diventa anche volontà di costruzione geometrica, come si può vedere nel dettaglio del volto, un ovale molto ben composto, che viene però sostenuto da un'abilissima modellazione cromatica. 

.

La costruzione dello spazio per piani di colore luminoso faceva parte della tradizione macchiaiola: a Firenze Pellizza aveva tratto profitto dal confronto con artisti del calibro di Fattori o Lega, quindi con il gruppo macchiaiolo; invece la scelta di eseguire un ritratto quasi al vero e con uno sfondo chiaro e luminoso era una prerogativa di Tallone, così come il rappresentare lo sguardo della figura rivolto dritto nell'occhio dell'osservatore, in una sorta di appello al fruitore del quadro, secondo i canoni della pittura del realismo. 

.

Anche il tema affrontato, vale a dire la lettura o il rapporto della figura umana con un libro od un giornale, era tipico della pittura della seconda metà dell'Ottocento; in particolare il soggetto iconografico della lettrice aveva già avuto esiti altissimi in Lombardia negli anni Settanta: si pensi alla Lettrice di Faruffini, o a quella di Mosé Bianchi, per esempio. 

.

Ma per Pellizza il quadro aveva anche una valenza più profonda: in questa rappresentazione del sentimento attonito in cui la fanciulla sprofonda nel riprendere in mano un vecchio quaderno, e quindi nel rivivere, sull'onda di qualche ricordo, un'emozione passata, Pellizza introdusse certamente una proiezione simbolica del dolore per la morte della sorella, avvenuta nel 1889. 

.

L'adesione al divisionismo e "l'arte per l'umanità" 

.

Come nei ritratti, così anche negli altri generi di pittura in cui ci si esercitava allora nelle accademie, cioè nei paesaggi e nella nature morte, Pellizza aveva raggiunto il massimo dei risultati che poteva conseguire, quanto a luminosità e a costruzione di una veduta convincente e aderente al vero, usando il mescolarsi del colore sulla tavolozza: si vedano ad esempio rispettivamente La piazza di Volpedo del 1888 e Le zucche del 1889. 

.

Questo sistema tradizionale era basato sulla convinzione che dovesse essere il pittore a rendere il colore luminoso; le acquisizioni scientifiche ottocentesche suggerivano invece che la luminosità è un prodotto non oggettivo ma soggettivo, poiché l'occhio umano, ricevendo attraverso le sue capacità percettive i vari impulsi dalla natura, riunifica all'interno di una sorta di camera oscura le lunghezze d'onda luminose provenienti dagli oggetti e le rimescola con attivo lavoro personale. Recenti scoperte avevano infatti dimostrato che la luce non è bianca, ma composta dal miscelarsi nell'occhio dell'osservatore di più stimoli percettivi provenienti dai sette colori dell'iride. 

.

Alcuni pittori, fra cui Pellizza, decisero di impiegare la scomposizione dei toni come strumento per operare in pittura. I ritratti del padre e della madre, che si trovano nello studio di Volpedo, evidenziano che già fra 1890 e 1891 Pellizza aveva cominciato a non servirsi più di stesure uniformi di colore, ma di pennellate più piccole, accostate l'una all'altra. In dipinti di paesaggio successivi, si può notare come Pellizza abbia ormai decisamente optato per la picchiettatura, abbia cioè ridotto la pennellata all'accostarsi di piccoli punti e di linee sottilissime, magari anche a movimento circolare; inoltre incomincia a ottenere effetti di oscurità e di ombra senza ricorrere al nero, ma usando dei colori come il rosso ed il giallo affiancati al blu di fondo, facendo in modo che si fondano nell'occhio dell'osservatore: emblematico in questo senso è Panni al sole, databile attorno al 1894.

.

Panni al sole (1894)

Si trattava di un lavoro che richiedeva concentrazione, competenza e sicurezza scientifica sulla tenuta del colore; questo spiega la meticolosa ricerca di materie prime adatte, fino all'adozione dei colori Lefranc, che garantivano quella stabilità e resistenza alla luce e al calore che era massimamente richiesta dai pittori divisionisti, e inoltre denunciavano sui tubetti la composizione chimica dei colori, in modo che gli artisti si potessero regolare nell'accostamento degli elementi onde evitare possibili contrasti. 

.

Una volta in grado di padroneggiare questa tecnica, Pellizza iniziò a cimentarsi in opere più complesse, che riunificavano i già sperimentati filoni del paesaggio senza figure e della figura umana come protagonista. Si tratta delle opere che ricadono sotto l'accezione, come Pellizza stesso dichiara nei sui scritti, di "arte per l'umanità", cioè di opere il cui scopo travalica la ripresa pura e semplice del vero: in esse l'artista, che vuole essere protagonista del suo tempo, si mette al servizio dell'uomo proponendo una riflessione su determinati valori. 

.

In Sul fienile è rappresentato un sacerdote accompagnato da due chierici che porta il viatico ad un contadino morente. Il bracciante muore in un fienile che non è il suo perché è un lavoratore nomade, senza terra né casa, ed è stato accolto in punto di morte dalla carità di una giovane donna, la quale lo sostiene alle spalle mentre riceve il viatico. Il quadro propone dunque una riflessione sul "popolo degli umili" e sulla solidarietà, temi nodali del percorso umano e artistico di Pellizza. 

.

Sul fienile (1893)

Questa fu la prima tela in cui Pellizza cercò di applicare meticolosamente il divisionismo, ottenendo un effetto di particolare ariosità (l'ombra, ad esempio, non è una massa inerte, statica, ma è soffice, quasi lievitante) e di tersità luminosa: una maggiore aderenza, insomma, alle condizioni reali della visione. Perciò egli proseguì su questa strada, anche se era molto impegnativa per un artista, soprattutto nel caso di grandi dipinti. 

.

Un tema affine è ripreso in Speranze deluse, quadro sempre ambientato a Volpedo. Esso riprende un soggetto iconografico assai frequentato nel secondo Ottocento, l'età del trionfo della società borghese e della codificazione dei suoi valori entro canoni di sacralità, primi tra tutti il matrimonio e la famiglia; in questo clima si era imposto all'attenzione degli artisti il tema della fanciulla tradita, della fanciulla, e cioè abbandonata, spesso incinta, per un partito migliore. Proprio La tradita (o Prato Cassanini) era il titolo del bozzetto 

preparatorio. 

.

Speranze deluse (1894)

Nella tela di Pellizza la protagonista è una contadina che piange, appoggiata al suo bastone, perché il suo promesso sposo porta all'altare un'altra ragazza, come si vede sullo sfondo, dove appare il corteo nuziale cui partecipa tutto il paese. Il tema di genere diventa nell'interpretazione di Pellizza delicatamente sentimentale, senza che peraltro si rinunci a un giudizio sociale di fondo. Nel dipingere questo soggetto, infatti, ci si sarebbe potuti abbandonare ad una rappresentazione più esasperata del dolore della ragazza o ad una contrapposizione drammaticamente più netta tra i due momenti, quello dell'infelicità e quello della festa; Pellizza sceglie invece la strada della giustapposizione non troppo ravvicinata, inserendo la scena in un ambiente naturale, in modo da non renderla né aneddotica né pettegola. La figura della tradita domina la scena, campeggiando in un vasto paesaggio che in qualche modo rende gigantesco ed universale il suo dolore. L'esempio de L'Ave Maria a trasbordo di Segantini ci documenta come il tema della vita dei campi e l'interesse per il sottile sentimentalismo, che i personaggi immersi in paesaggi naturali ed i loro stati d'animo ispiravano, fossero già diffusi nella pittura lombarda attorno agli anni 1885-86. 

.

La composizione della contadinella con le sue pecore (una rivolta altrove e indifferente, l'altra che sembra partecipare al dolore della ragazza) e con la gerla appoggiata a terra costituisce una sorta di impianto piramidale, secondo una tradizione compositiva risalente al Rinascimento. 

.

Nessuna parte del dipinto è resa con pennellate distese e inerti, ma ovunque troviamo una sequenza ricchissima di rossi, di blu, di gialli, che, a seconda della quantità, concorrono a produrre valori luminosi differenti. I colori, inoltre, non sono distribuiti soltanto attraverso piccoli punti accostati gli uni agli altri, ma tramite un accumulo di tratti che crea anche un certo spessore sulla tela. 

.

Tuttavia il trionfo della tecnica divisionista fu raggiunto con Processione, del 1894-'95, che denota una grande maturità di esecuzione. 

.

Nel passaggio da Speranze deluse a Processione emerge anche l'accentuazione di una valenza spiritualista, che si sostanzia in una resa più sottile delle figure, in base alla volontà di trasporre nei fatti costruttivi e compositivi anche significati spirituali. 

.

Le rappresentazioni simboliste 

.

In seguito Pellizza dimostrò più ampiamente come attraverso la rappresentazione della natura e l'aderenza al vero si possano illustrare valori universali.

Nel 1894 egli aveva soggiornato per motivi di studio a Firenze, dove aveva seguito all'Istituto Superiore lezioni di estetica, logica, filosofia, storia e letteratura. Aveva letto molto Dante, e in qualche misura aveva partecipato a quel recupero di temi letterari quattrocenteschi che si accompagnò negli anni Novanta alla fortuna dei Preraffaelliti. Fu proprio un verso di Dante ("E ciò che l'una fa e l'altre fanno", Purgatorio, canto III, 82) a suggerirgli l'idea de Lo specchio della vita.

Lo specchio della vita - (E ciò che l'una fa e l'altre fanno) (1898)

Questo quadro rappresenta una fila di pecore in cui una segue l'altra in un andare fatale: ci troviamo con tutta evidenza davanti ad una vera e propria allegoria della vita, dove l'umanità procede in massa, senza porsi troppe domande, in una marcia senza inizio e senza fine. Anche il paesaggio in cui questo incedere di pecore è immerso si fa emblematico, entrando in piena consonanza compositiva con gli animali ed esaltandone il valore simbolico. 

.

La fila di pecore non è in realtà una fila regolare e omogenea, bensì un comporsi dei diversi animali a intervalli diversi e ben individuati anche da iridescenze sul profilo della parte superiore, che rendono la vibrazione della luce attorno alle forme. L'effetto di allineamento è comunque ribadito dall'orizzontalità dell'argine, verso cui convergono le linee diagonali date dalle chiazze paludose lasciate dal Curone, a loro volta richiamate dalla morbida linea di colline ondulate sullo sfondo; anche le nuvole riprendono in un certo senso questo allineamento ondulato. La tela rivela inoltre la straordinaria invenzione di aprirsi entro una cornice dipinta come se fosse di legno e costituita da una barra marrone con striature molto sottili di rosso e di blu, che rendono più dinamica la costruzione e finiscono per diventare uno strumento raffinatissimo di riaffermazione della linea ondulata come elemento essenziale della composizione. 

.

Il quadro riproduce sicuramente un tratto della val Curone, ma i dati reali sono ricomposti in modo tale da costituire un nesso di valenze che trascendono l'aspetto materiale. 

.

In questa stessa ottica si collocano altri quadri che costituiscono rappresentazioni simboliche dell'esistenza, come Idillio primaverile, iniziato nel 1896 e portato a termine nel 1901, in cui ancora una volta Pellizza trae ispirazione dal vero, ma si accosta con estrema delicatezza ai temi dell'origine della vita e dell'ingenuità della fanciullezza.

Idillio primaverile (1896-1901)

Anche il pentittico L'amore nella vita, dei primi del '900, può essere letto come allusivo a qualche significato altro. 

.

Il Quarto Stato

Così ne Il Quarto Stato, iniziato nel 1898 e terminato nel 1901, è evidente che Pellizza non intendeva rappresentare esclusivamente una scena, sia pure molto importante, della vita sociale del proprio tempo, vale a dire un momento di sciopero e di protesta. Vi compaiono, infatti, delle figure che avanzano verso la piena luce, mentre sullo sfondo campeggia un tramonto: è chiara l'allegoria sociale del popolo che avanza verso un futuro radioso, lasciandosi alle spalle l'età dell'oppressione. Il tema era già stato trattato più volte e continuamente rielaborato da Pellizza, a partire dal 1891, con Ambasciatori della fame, attraverso Fiumana, completata nel 1896, e il bozzetto preparatorio del 1898, Il cammino dei lavoratori, secondo il titolo inizialmente prescelto, ed era andato ampliandosi ed approfondendosi durante questo percorso, di pari passo con l'evoluzione artistica del soggetto.

Il Quarto Stato (1901)

La ricerca formale presente nella tela è di altissima qualità: la composizione è perfettamente calibrata e conchiusa e la massa avanzante non è inerte, ma il gestire delle mani, dei piedi e il gioco delle ombre movimentano la sua rappresentazione producendo un'ondulazione che si riallaccia ai moduli espressivi presenti ne Lo specchio della vita. Le linee rette ed ondulate si equilibrano suggerendo l'avanzare lento, calmo e pacato ma ineluttabile di una nuova classe, forte della sicurezza che le deriva dalla consapevolezza del proprio ruolo storico. 

.

La tecnica divisionista con cui la tela è condotta ha raggiunto effetti di estrema sapienza, perfettamente rispondente agli scopi del pittore: nei personaggi è presente quella "atmosfericità" o assoluta mancanza di inerzia della materia che già abbiamo visto, soprattutto in Sul fienile e che possiamo ammirare, ad esempio, anche in Membra stanche o Famiglia di emigranti. 

.

Non è un caso, inoltre, che in quest'opera, un affresco di storia contemporanea, si affacci una serie di suggestioni provenienti dalla tradizione pittorica: ad esempio, la figura dell'uomo con il bambino riprende il tema di Tobia e l'angelo della pittura rinascimentale e l'uomo che regge la cesta si ispira alla Stanza di Eliodoro di Raffaello. Anche la forza e l'eloquenza dei gesti degli altri personaggi rimanda direttamente a Raffaello: la gestualità accentuata, soprattutto delle mani, che Pellizza aveva studiato a fondo fin dagli anni giovanili, si ritrova infatti nelle opere di Raffaello che si collocano tra il 1515 e il 1520 come strumento raffinato di retorica per influsso dell'oratoria, che a sua volta aveva recuperato suggerimenti dall'oratoria antica. 

.

Le ultime opere

. 

Pellizza aveva sostenuto fin dagli anni giovanili che la natura può suggerire determinati stati d'animo: egli riteneva che soprattutto di sera o di mattina ci si potesse lasciar prendere dalla suggestione derivante dalla contemplazione della natura, suggestione che, lungi dal porsi come pura situazione emotiva, si rivela capace di creare un'unità fra uomo e natura, consentendo all'uomo la conoscenza di valori universali. Alcuni dei suoi paesaggi esemplificano proprio questo tipo di lettura. 

.

Ne Il sole, che risale al 1904, c'è addirittura una sorta di esplosione dell'atto naturale, che quasi stende un velo sulla natura circostante, e si dispiega con tutta la magnificenza della visione universale della luce che si rigenera sotto i nostri occhi. 

.

Il sole o Il sole nascente (1904)

Da un nucleo centrale di luce bianca si diparte una fitta trama di tacchette e lineette progressive, che vanno dal giallo al blu, comprendendo tutta la gamma dei colori dell'iride, al fine di rendere la dimensione dell'esplosione luminosa. Ciò comportava un rigidissimo controllo della pennellata, ma anche la composizione nel suo insieme è attentamente studiata, sia nella scelta della posizione dell'orizzonte, quasi in rapporto di sezione aurea con le dimensioni totali del quadro, sia in quella di mettere in sordina qualsiasi elemento della natura, sia in quella di movimentare la linea di fondo tramite piccolissime figure. 

.

Su questa scia Pellizza, tra il 1905 e il 1906, studia la capacità di comunicare dei sentimenti che i singoli colori hanno nelle diverse stagioni o nei diversi momenti della giornata. 

.

Lo si vede ne La montà di Bogino, uno dei paesaggi più interessanti della produzione pellizziana dopo il Novecento, dove si nota una grande esplosione di tersità luminosa nel blu del cielo che si riflette nel giallo dominante in alcuni tratti del pendio, e lo si osserva anche in Aprile nei prati di Volpedo, che riprende alcuni motivi già presenti nella serie dei quadri ambientati sul greto del Curone, come ad esempio le pozze d'acqua che riflettono le nubi. C'è una sorta di circolarità tra cielo e terra, cioè tra il luogo in cui si genera lo spettacolo della luce e il luogo in cui la luce stessa si riverbera, circolarità che si fa allegoria del continuo ritornare della luce, e quindi della vita, sulla terra.

.

Questi paesaggi trascendono dunque la loro funzione descrittiva e si presentano come complesse riflessioni sui grandi valori e sui misteri della vita: la maternità, il lavoro, l'amore, la morte, tutti temi su cui Pellizza lavora incessantemente tra il 1902 e il 1907, anno della sua morte..

[Testo liberamente tratto da A. SCOTTI, Giuseppe Pellizza da Volpedo: il percorso artistico. Testo della conferenza tenuta a Volpedo il16 febbraio 1996, Volpedo, Associazione "Pellizza da Volpedo", 1996 e da A. SCOTTI, Pellizza da Volpedo. Catalogo generale, Milano, Electa, 1986] 

.

.

http://www.pellizza.it/percorso.htm#Specchio%20della%20vita

.

.