De pictura. En defensa de la belleza - Alberti

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De pictura. En defensa de la belleza

El EMAT de Torrent analiza el valor de la búsqueda de lo bello en el arte actual

Torrent, 08/02/2010

Tomando como título el clásico tratado de Alberti "De pictura", el Espai Metropolitá d´ Art de Torrent explora la pervivencia en la creación contemporánea de las reglas de lo bello, del rigor compositivo, de las leyes de la perspectiva y la idea de los géneros como ámbitos temáticos independientes y coherentes.

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Aunque presentar una exposición en defensa de la belleza y la armonía puede llevar a suponer que estos valores están siendo atacados en el arte actual, "De pictura" no da por sentado que lo bello deba ser un elemento constitutivo esencial de la obra de arte ni un objetivo fundamental al que el artista deba aspirar en su trayectoria.

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Pese a que el canon estético defendido por Alberti (fundamentado en la proporción, la medida y la adecuación al orden natural) fue rotundamente atacado por las vanguardias de comienzos del siglo XX, la fotografía entonces incipiente se convirtió, en cierto modo, en depositaria de esa tradición clásica en cuanto a formas de emplear luz y color, repertorio temático, encuadres y ejercicios compositivos y pervivencia de los géneros propios de la pintura, como el desnudo, el retrato, el paisaje y la naturaleza muerta.

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Esa vertiente pictorialista de la fotografía se mantiene en la actualidad: artistas como Jeff Wall, Erwin Olaf o Pierre Gonnord se sirven de los géneros y las mitologías pictóricas empleadas por Velázquez, Mantegna o Caravaggio, entre otros. El propio Jeff Wall reconocía, seis siglos después de Alberti, reconocía que la naturaleza es el medio por el que la belleza y la complejidad se unen y que la naturaleza es la primera referencia del arte.

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Victoria Diehl

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Erwin Olaf

Bufón, 2008

Cortesía de la Galería Espacio Mínimo

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INFORMACIÓN RELACIONADA
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Ellen Kooi. Mirada enigmática. Madrid, hasta el 15/06/08

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"Arshile Gorky: A retrospective"

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El Philadelphia Museum of Art presenta la mayor exposición dedicada a Arshile Gorky en los últimos treinta años

Incluirá casi 180 obras del artista, figura clave en la consolidación del arte abstracto norteamericano

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"Arshile Gorky: A retrospective"

PHILADELPHIA MUSEUM OF ART
Benjamin Franklin Parkway
26th Street PA 19130
Philadelphia
Del 21 de octubre de 2009 al 10 de enero de 2010
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Del 21 de octubre de 2009 al 10 de enero de 2010, en el Philadelphia Museum of Art
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C.omisario: Michael Taylor

Obras: 178

Organizan: Philadelphia Museum of Art, Tate Modern de Londres y Museum of Contemporary Art, Los Ángeles

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El Philadelphia Museum of Art celebra la trayectoria artística de Arshile Gorky casi sesenta años después de su muerte con una gran exhibición retrospectiva, la mayor en treinta años dedicada al creador armenio, prolífico pese a la brevedad de su carrera: nació en 1904 y falleció tras un trágico suicidio en 1948.

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Las obras presentes en la muestra representan la totalidad de las etapas en que se ha subdividido su producción, y se fechan entre 1920 y 1948. Se trata de pinturas, esculturas, grabados y dibujos, varios de ellos inéditos, que revelan la evolución del vocabulario visual de Gorky y de su singular estilo.

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La retrospectiva pretende ofrecer nuevas reflexiones críticas en torno a sus trabajos (aprovechando los nuevos datos biográficos en torno a Gorky que han sido publicados en los últimos años) y proporcionar a una nueva generación de espectadores la posibilidad de conocer el complejo e influyente universo creativo de este artista, considerado fundamental para el surgimiento de la abstracción norteamericana. Posiblemente las piezas claves de esta antológica sean las llamadas "Creation Chambers", series basadas en las descripciones que el propio Gorky hizo de su estudio y que muestran sus pinturas más conocidas junto a dibujos y estudios preparatorios que realizó para las mismas.

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Para analizar en profundidad la producción de Arshile Gorky es imprescindible indagar en los hechos que marcaron su vida. Siendo aún adolescente, fue testigo de la limpieza étnica a la que las tropas turcas sometieron a la minoría armenia de la región otomana hacia 1915, suceso que causó el exilio de numerosas familias, entre ellas la del artista, a la frontera del Caucaso. Su madre murió de hambre durante un crudo invierno para los refugiados armenios y Gorky y su hermana emigraron a Estados Unidos, tratando de esquivar un negro futuro, en 1920. Haciéndose pasar por pariente del escritor ruso Maxim Gorky, el pintor trató de forjarse en América una nueva identidad y una nueva vida.

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Tras residir en Watertown y Boston, Gorky se afincó definitivamente en Nueva York en 1924. Aunque recibió algunas clases de arte, su formación fue sobre todo autodidacta: copió obras de museos y galerías y leyó diversos ensayos y publicaciones artísticas para familiarizarse con los maestros europeos (especialmente con Paul Cézanne, Picasso, Miró y Fernand Léger).

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En los años de la Gran Depresión logró trabajar como pintor de murales públicos, destacando los diez que diseñó para la zona administrativa del aeropuerto de Newark, obras fuertemente influenciadas por la impronta de Léger y Picasso pero también reveladoras de la gran promesa del arte abstracto en que Gorky ya se había convertido.

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En Nueva York además pudo tomar contacto con algunos miembros del grupo surrealista, que, coincidiendo con el estallido de la II Guerra Mundial, huyeron del conflicto trasladándose a la Gran Manzana. Mantuvo una estrecha amistad con Breton y con el chileno Roberto Matta, quien le animaría a experimentar con formas biomórficas y le enseñaría la técnica surrealista del dibujo automático, técnica que Gorki emplearía hábilmente para diseñar obras en las que naturaleza y objetos se nos muestran de forma explosiva o erótica.

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En 1941, Gorky contrajo matrimonio con Agnes Magruder, cuyos padres poseían en Virginia una granja en la que el armenio residiría en adelante buena parte de su tiempo. Los campos de los alrededores de aquella finca le recordaban a su país, y fue allí donde pintaría obras abstractas en las que entremezclaba recuerdos de su infancia con la observación directa de la naturaleza, trabajos muy evocadores caracterizados por la gran belleza lírica de sus formas orgánicas.

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Los últimos años de la vida de Gorky estuvieron marcados por la tragedia. En 1946 su estudio se incendió, y junto a él, una veintena de sus obras. Ese mismo año le fue diagnosticado un cáncer de colon. En 1948 un grave accidente de tráfico dejó a Gorky con un brazo semiparalizado y el cuello roto, lo que le alejó de la pintura. Tras la ruptura de su matrimonio con Magruder y una profunda depresión, se suicidaría el 21 de julio del mismo año. El extraordinario corpus pictórico que de él quedó tras una carrera artística de sólo veinte años le ha convertido en el último gran surrealista, autor de trabajos tan revolucionarios como profundamente personales.

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"Tesoros de las culturas del mundo"

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Tesoros de las culturas del mundo

La Sala de Arte Canal muestra 250 obras de arte ligadas a todos los tiempos y civilizaciones. Han sido cedidas por el British Museum

"Tesoros de las culturas del mundo"

CENTRO DE  EXPOSICIONES ARTE CANAL
Paseo de la Castellana, 214
28046 Madrid
Del 12 de diciembre de 2009 al 10 de mayo de 2010

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Del 12 de diciembre de 2009 al 10 de mayo de 2010, en el Centro de Arte Canal de la Comunidad de Madrid
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Obras: más de 250 piezas
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Tras su exitoso paso por diversos países de Asia y América, se exhibe en el Centro de Arte Canal de Madrid "Tesoros de las culturas del mundo", muestra formada por más de dos centenares de obras cedidas por el British Museum que en esta ocasión se exhibirán también junto a otras prestadas por el Museo de América. El propósito de esta exposición es ofrecer al visitante un recorrido visual a lo largo de 30.000 años de historia a través de valiosas obras fechadas entre la Edad de Piedra y la actualidad y procedentes de muy diversas civilizaciones.

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Entre las joyas de la exposición, estructurada en siete secciones según criterios geográficos y cronológicos, destacan esculturas clásicas grecorromanas, ornamentos mesopotámicos de gran riqueza hallados en las excavaciones de Ur, una momia egipcia o una réplica de la piedra de Rosetta, cuyo original reclama ahora Egipto al Museo Británico. Entre las obras contemporáneas, llamará la atención del visitante una escultura de la creadora nigeriana Douglas Camp, por su mezcla de la esencia de la espiritualidad africana ancestral y la moderna tecnología occidental.

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Finalizará el recorrido de "Tesoros de las culturas del mundo" un cronograma que facilitará la localización temporal de cada uno de los tesoros presentes en la exhibición, que destaca por su atractivo diseño y su amplio despliegue escenográfico.

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El éxito de público ha venido acompañando la celebración de cada una de las muestras que Arte Canal, la sala de exposiciones del Canal de Isabel II, ha venido programando desde su apertura en 2004: "Guerreros de Xi´an" (2004), "Faraón" (2005), "M.C. Escher. El arte de lo imposible" (2006), "Roma S.P.Q.R" (2007), "Madrid, 2 de mayo. 1808-2008. Un pueblo, una nación" (2008) y "Star Wars. The exhibition" (2008). En su conjunto han recibido cerca de millón y medio de espectadores.

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INFORMACIÓN RELACIONADA
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El antiguo Irak. Nueva York, 09/05/03
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Las mejores obras impresionistas del Museo de Orsay

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Se trata de la mayor muestra dedicada al Impresionismo hasta la fecha en España

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Pierre Auguste Renoir
El columpio, 1876
Musée d´ Orsay, París

"Impresionismo. Un nuevo Renacimiento"

FUNDACIÓN MAPFRE. SALA RECOLETOS
Paseo de Recoletos, 23
28004 Madrid
Del 15 de enero al 22 de abril de 2010
Lunes de 14.00 a 20.00 hrs.
De martes a sábado de 10.00 a 20.00 hrs.
Domingos y festivos de 11.00 a 19.00 hrs.

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Del 15 de enero al 22 de abril de 2010, en la sede en Recoletos de la Fundación MAPFRE, Madrid

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Comisarios: Pablo Jiménez Burillo, Guy Cogeval

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Organizan: Fundación MAPFRE. Instituto de Cultura y Musée d´Orsay

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Coincidiendo con sus obras de renovación y mejora, el Museo parisino de Orsay muestra en Madrid las mejores pinturas impresionistas de su colección, casi un centenar de obras que se exhibirán después en el Bellas Artes de San Francisco y en el Frist Center for Visual Arts de Nashville y que permitirán al visitante obtener una visión global y renovada del movimiento que cambiaría el devenir de la historia contemporánea del arte.

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Sin romper radicalmente con la pintura académica anterior, los fundadores del Impresionismo trataron de transformar el arte de su época para hacerlo más acorde a la realidad histórica, cultural y social en la que vivían, una realidad entonces complicada por la irrupción de la guerra francoprusiana y los sucesos de la Comuna de París. Su visión luminosa y vitalista de motivos cotidianos no fue la única respuesta artística a aquella etapa de la historia, sino que convivió también con la opción simbolista y onírica de Moreau o el ornamental clasicismo de Puvis de Chavannes, también representados en esta exposición, bautizada como "Impresionismo. Un nuevo Renacimiento".

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La muestra comienza y finaliza con Edouard Manet, el gran artista del momento y el referente del resto de los impresionistas, el pintor que dialogo de tú a tú con genios como Velázquez o Goya y que ideó sus obras con la clara voluntad de que éstas pudiesen perdurar y ser contempladas en los grandes museos. En la sede en Recoletos de la Fundación MAPFRE podrán verse varias de sus obras maestras, destacando El Pífano, manifiesto en sí mismo de la revolucionaria modernidad de Manet pero también de su alta valoración de la tradición.

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Los primeros indicios de la formación del Impresionismo podrán rastrearse en MAPFRE a partir de trabajos de miembros de la Escuela de Batignoles como Bazille o Fantin-Latour.

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Monet se presenta como el miembro quizá más virtuoso del colectivo impresionista de la mano de sus paisajes de regatas en Argenteuil o de su archiconocida gare Saint-Lazare. Sus vibrantes y pequeñas pinceladas y su minuciosa captación de los efectos atmosféricos influirían decisivamente a Renoir, quien sin embargó se decantó por la realización de retratos individuales y de grupo caracterizados por su delicada sensualidad y por el empleo sutil de una paleta de tonalidades que nos recuerdan a la pintura clásica veneciana.

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Podrán contemplarse igualmente en Madrid rigurosas composiciones de Alfred Sisley (La neige à Louvenciennes), de Berthe Morisot (La cuna) y de Pissarro y Cézanne, quienes enfatizarían, sobre todo éste último, la vertiente estructural, constructiva y sólida de sus trabajos, en especial de sus bodegones y sus vistas de L´Estaque.

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Tratando de renovar el clasicismo más que de revolucionar la concepción tradicional del arte, Degas optó por una estética fragmentada que le permitiera mostrar su visión de instantes concretos representativos de la vida moderna. Lo vemos en una de sus obras clave: La classe de danse, fechada en 1873. Como adelantamos, "Impresionismo. Un nuevo Renacimiento" se cierra con pinturas tardías del inspirador Manet, quien lograría triunfar en el conservador Salón de París con obras de tema político como su Retrato de Georges Clemenceau, pero también en los salones mundanos de la burguesía con sus retratos de Nina Callias o Mallarmé. Su producción inicia y concluye la muestra, poniendo de relieve la extraordinaria labor de Manet como artista que puso al arte al servicio de la modernidad y la modernidad al servicio del arte.

Gustave Caillebotte

Acuchilladores de parqué, 1875

Musée d´Orsay, París

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Puvis de Chavannes

Jóvenes al borde del mar

Musée d´Orsay

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